¿Adónde va la fotografía?

“¿En qué medida una representación de lo ajeno puede generar conocimiento y compromiso?” Así abrió Valeria González, crítica, curadora y docente, el debate respecto del sentido político de la fotografía, uno de los temas de las charlas gratuitas sobre el lugar de esa disciplina en el sistema del arte contemporáneo que ofrecerá mañana, el 15 y el 22 de este mes a las 19 en el Museo Nacional de Bellas Artes.

En esas jornadas, se podrá escuchar, preguntar o discutir, antes o después de mirar. Porque el MNBA también exhibe dos muestras sobre presente global de la fotografía y sobre su tradición local. Se trata de Signos de existencia. Fotografía y video contemporáneo de Francia, Chile y Argentina –en la que se enmarcan las conferencias de González– y Ayerza. Witcomb. Paillet. Orígenes de la fotografía argentina, curada por Sara Facio.

La fotografía da que hablar desde múltiples ángulos. Uno de los más estruendosos en los medios suele ser el mercado. La foto más cara –hasta ahora– es un díptico que muestra una góndola de supermercado creada en 2001 por el alemán Andreas Gursky y vendida el año pasado por más de 3,3 millones de dólares bajo el título 99 Cent II.

Le sigue un reflejo de la luna en el agua de un estanque de Nueva York que Edward Steichen tomó en 1904 y que se vendió en 2006 por 2,9 millones. Los récords, aplaudidos o tildados de obscenos, impactan. Pero más allá del shock es bueno indagar en el camino que la foto recorrió hasta llegar a los museos, las bienales, las ferias y las subastas.

En Estados Unidos y Europa, la fotografía se instaló en las instituciones en la década de 1960, de la mano del pop y de las corrientes conceptuales. El ciclo de charlas de González abrirá justamente con el ingreso de la fotografía al podio del arte contemporáneo en el marco del conceptualismo.

González anticipó a Crítica de la Argentina que “antes de los 60 la fotografía había tenido un desarrollo importante. Sin embargo, al menos en términos de mercado, seguía en situación de inferioridad. El conceptualismo, el movimiento más iconoclasta, que buscó destituir la imagen como eje del arte, recurrió de manera sistemática a la fotografía. La fotografía y el texto escrito fueron los medios característicos para documentar un arte hecho de ideas. Obviamente se trató de textos alejados de lo literario y fotografías carentes de pretensiones estéticas”.

Para la experta, “el hecho de que la fotografía no estuviera hacia 1960 institucionalizada como imagen artística colaboró para que los artistas confiaran en ella como arma contra el sistema del arte”. Pero, agregó, “esa lucha fracasó cuando el arte conceptual fue fagocitado también por el sistema y con él la fotografía quedó integrada como medio legítimo del arte”.

Además, no es lo mismo el conceptualismo local que el neoyorquino, por ejemplo. González precisó: “Se dice que en los 60, con el Instituto Di Tella, Buenos Aires equiparó por primera vez su reloj con el del primer mundo. Hubo penetración del conceptualismo, como poco antes del pop, pero lo distintivo es que ninguna de estas tendencias se volvió dominante, como en el sistema neoyorquino”.

Aquí el mapa es más complejo, con una notable incidencia del contexto sociopolítico. “Marcelo Pacheco –curador jefe de Malba–, a propósito de Víctor Grippo, habla de un ‘conceptualismo caliente’, politizado y comprometido con el entorno social. Podemos citar la obra Horno para pan, que Grippo fabrica con un albañil y pone en funcionamiento en la Plaza Arlt en 1971. Esa obra, que más que objeto es acción, intervención y pensamiento en el espacio público, sólo perdura como registro fotográfico”, explicó.

El 15 de abril la especialista hablará de la foto en los 80. “El retorno a la pintura resume un movimiento de liquidación de la lucha vanguardista contra el sistema del arte y de búsqueda del rol social del artista –dijo–. Luego de la antiestética conceptual, se recupera la obra como objeto visual. Participan todos los medios disponibles. Y sobre todo, lo que está disponible, más que los medios, es la historia del arte. Se generaliza la cita de imágenes.”

Por entonces, siempre según la experta, “la fotografía va a volver a tomar de referencia la pintura, pero no ya desde el complejo de inferioridad del pictorialismo del 1900 sino desde una aspiración monumental: composiciones color de enormes dimensiones, muchas veces realizadas como complejísimas puestas en escena, al modo del cine”.

El 22 de abril, González analizará la “recuperación” del modelo documental en la fotografía y su costado político: “Es común en los últimos años la presencia de fotos que vienen de la tradición documental, y sobre todo en representación de territorios periféricos o conflictivos: América latina, Medio Oriente, África. Pero en cuanto a su significado político, sin duda está en juego, soy algo escéptica: ¿en qué medida una situación de vida es representable fuera de esa situación?”

En esa misma charla, la experta propone tratar la fotografía en la “encrucijada” del arte contemporáneo y las grandes bienales y la relación con la cultura mediática. “En las grandes bienales la presencia de la foto, como la del video, es rotunda. Más difícil se volvió la inserción de la pintura, que está recobrando lugar. Pero la lógica misma del arte contemporáneo ha vuelto inconducente evaluar en términos de géneros o medios”, adelantó.